KELLY COLLECTION

TACCHINI

Les designers suédois de Claesson Koivisto Rune et l'éditeur italien Tacchini ont reconduit leur collaboration cette année pour créer la série de sièges “Kelly". 

Cette collection de fauteuils est inspirée par l’univers de l’artiste minimaliste américain Ellsworth Kelly, dont les oeuvres présentent des formes géométriques simples, traitées dans des tons primaires. 

Cette collection propose trois modèles aux formes irrégulières et aux couleurs vives (fauteuil bas dossier, fauteuil haut dossier, chaise longue) qui apporteront une touche graphique et minimaliste aux intérieurs qu’elle meuble.

Inspired by the block colours and simple shapes found in the work of American minimalist artist Ellsworth Kelly, Kelly collection has been designed by swedish designers Claesson Koivisto Rune for Italian brand Tacchini. 

The rounded seat and back of the chairs appear to be formed from one section that is pinched at the place where they join. A giant square back with rounded corners and a rectangular seat of the same width make up the larger chair. 

TEATIME

CINNA

Inspirée par le design moderniste des années 50, Teatime est pourtant une table de notre époque, adaptée aux modes de vie d’aujourd’hui. Mettant en valeur l’association de sa finition chêne scié et du piètement chromé, elle se métamorphose lorsqu’on retourne le plateau pour découvrir sa douce finition laquée rose. Celui-ci peut en effet devenir un vrai plateau permettant de transporter tout le nécessaire au salon et d’être directement posé sur son support. Plateau extérieur chêne naturel scié, intérieur laqué satiné. Piétement chrome brillant.

Inspired by Modernist Design, Teatime is a small coffee table very convenient. Emphasizing the association of natural oak and chrome, it can be used in different ways : you can remove the tray to discover its soft pink lacquered finish. This one can become a real tray allowing to transport all you want and then be directly put on its support. Outside tray soft pink lacquered, internal natural oak.

AIM

E+R BOUROULLEC - FLOS

Aim reste à l’écart de la tradition en proposant un système de suspension exempt de tout concept de centralité : la lampe peut être installée où l’on veut grâce à de longs câbles qui permettent d’aller récupérer la connexion électrique à la terre. Depuis toujours on apprend au concepteur d’éclairage que le câble n’est qu’un élément purement fonctionnel et qu’en tant que tel, il doit être caché et utilisé avec parcimonie. Ronan & Erwan renversent cette hypothèse : non seulement Aim s’oppose à la centralité, mais elle peut se multiplier en une forêt de câbles. Des câbles qui montent et qui descendent, des câbles à l’évidente fonction esthétique. Ainsi, Aim n’est pas seulement une lampe, mais bien une véritable installation. Et bien qu’elle soit un parfait produit industriel, elle se réfère plus à la philosophie de l’art qu’à celle du design.

Née en 2010 en série limitée pour la galerie parisienne Kreo, sous le nom évocateur de “Lianes”, et réalisée artisanalement en fibre de verre, corian et cuir, elle ne perd rien aujourd’hui dans son passage à la production industrielle, bien au contraire : une matière plus sèche, et la simplification chromatique renforcent un peu plus le jeu spatial. Elle peut être utilisée en version simple, mais c’est dans la multiplication qu’Aim trouve son apothéose et nous propose alors de changer notre jugement : va-t-on continuer à considérer les lampes objets de manière individuelle ou plutôt comme des systèmes “viraux” capables de se diffuser dans l’espace ?

The latest project by brothers Ronan & Erwan Bouroullec for Flos challenges at least two maxims of lighting design. The first of these maxims, in terms of ceiling fittings, undoubtedly regards the geometric centrality of the light source: chandeliers must be hung up high, at the intersection of the diagonals in those geometric spaces we call rooms. However, Aim declares its independence from such reverence to tradition, proposing a system that, while suspended from the ceiling, is freed from any concept of centrality. The light can be positioned wherever desired, by hooking it up to the electricity supply on the floor via long cables. The second aesthetic and hence behavioural “breakaway” regards precisely those long cables. Anyone who designs lights has always been taught that the cable is a purely functional element, and as such it should be hidden and used sparingly. Conceivedin 2010 as a limited-edition object for Galerie Kreo in Paris, it was evocatively named “Lianes” and handcrafted in fibre-glass, Corian and leather. Yet Aim has lost nothing in its progression to industrial production. Indeed, the increased slenderness of the material and the chromatic simplification have served to make the lamp’s spatial effect even more pronounced. Aim can be used individually but it reaches its apex when multiplied, therefore proposing a shift of judgement: from now on, will lighting objects be assessed singularily or instead as “viral” systems capable of propagating themselves in space?

PEACOCK SCREEN

PIERGIL FOURQUIE

A une époque où l'espace est de moins en moins cloisonné dans nos habitations (loft) ou sur notre lieu de travail (open space), on a perdu l'idée de frontière et généré un manque d'intimité. Les pièces n'ont plus de fonctions particulières et le mobilier habitué aux cloisons ne s'intègre plus dans ces espaces. Il est important de recréer des espaces autonomes où le mobilier peut être au milieu d'une pièce, élégant sous tous ses angles.

Le paravent "Paon", imaginé par le designer Piergil Fourquié, tel un éventail démesuré chaussé d'un leste, est amovible et redessine l'espace au gré de ses envies. Son faible encombrement au sol permet de l'implanter facilement dans toutes les pièces de la maison de manière à créer son espace d'intimité. Gainé de tissu, il est déclinable en toutes sortes de couleurs et motifs.

Today we tend to live in places where space is more and more “public”, be it in our loft apartments, or in our open spaces at work. Frontiers tend to disappear, and with them a certain sense of intimacy. Rooms have lost their functional uniqueness and furniture, that we used to place back to the walls, can be difficult to integrate in this new architecture. That’s why it is important to be able to recreate autonomous spaces and to position furniture in the middle of a room, that can still be elegant from all perspectives.

The "Peacock" screen, like a giant fan stuck in small but heavy concrete basis, can be oriented around its axis so as to split the room as we like. Its small footprint makes it convenient to use whatever the room in the house, so as to recreate an intimate space. Hand sewn fabric is available in a wide choice of colors and patterns.

infos : http://www.galeriegosserez.com

ARCHIBIRD

GREGOIRE DE LAFFOREST

Archibird est une console / cage à oiseaux, à mi-chemin entre une sculpture et un objet utilitaire. L'idée était de développer une cage dont la forme casserait les codes classiques, et de l'intégrer dans l'habitat en la mixant à une console. Les oiseaux sont mis en scène comme dans un décor de théâtre. Les cloches de verre font référence aux oiseaux empaillés qui, ici, prennent vie, clin d’œil aux cabinets de curiosités. 

La recherche de légèreté visuelle a toujours été au centre du dessin, le plateau bas de la cage semble comme suspendu par les filins d'acier et les pieds s'affinent pour donner un aspect élancé. Par ses matériaux purs elle donne une vision idéale de la nature. Malgré l'aspect sculptural de la cage, celle-ci remplit toutes les fonctions nécessaires au bon usage : accessibilité, mangeoires et bassin. 

Archibird se compose d'un plateau supporté par quatre pieds en chêne massif. La cage est composée d'un plateau bas en chêne qui est relié à la console par un arbre en acier laqué blanc. Les branches dépassant du plateau de la console sont surmontées de cloches en verre clair. Des câbles acier parcourent la périphérie de la cage. Ceux-ci peuvent être démontés afin d'avoir accès à l'intérieur de la cage pour l'entretien et l'accessibilité.

Archibird is a console – bird cage, in between a sculpture and a furniture. The original idee was to design a bird cage which shape would radically renew traditional codes, and to integrate it in the furniture, by mixing it with a console. Therefore birds would be theatrelised, as if on a stage. The glass domes are a reference to stuffed animals. They also refer to the curiosity cabinets of the past. The design main intention has been the drive for lightness, for instance the bottom part of the cage is like suspended to the steel rods (in reality it is supported by the tree branch). The legs are also shaped to achieve this aerial feeling. Its purity gives an idealized vision of nature. Despite this sculptural look, the bird cage has all the attributes of a bird cage : it can be opened for cleaning, it has mangers and a small washing pool.

infos : http://www.galeriegosserez.com

TANDEM EXHIBITION

NUMERO 111 - GALERIE GOSSEREZ

Suite à la création de l'étonnant meuble Jean-Jean, les designers stéphanois de NUMERO 111 sont invités par Marie-Bérangère Gosserez à décliner leur travail de confrontation des matières et des volumes. En résulte la collection « Tandem », présentant six pièces variées mais d’écriture commune. L’exposition explore la mise en œuvre d’éléments distincts en vue de former un ensemble cohérent. Les pièces nous invitent à contempler le contraste entre la masse sculptée et le plan courbé. Ici le bois brut et le bois laqué s’assemblent afin de collaborer à une même œuvre.

La collection propose des objets hybrides à usage libre. En se positionnant à mi chemin entre l’abstraction et la fonction, Numéro111 interroge le statut de l’objet et multiplie les possibilités formelles en créant un univers qui leur est propre.

Numéro111 se compose de trois individualités, Sophie Françon, Jennifer Julien et Grégory Peyrache. Issus de formations différentes -Ecole d’art et de design de Saint-Etienne, Ecole nationale supérieure d’architecture de Saint-Etienne - ils se retrouvent en 2010 pour créer le bureau de design & d’architecture Numéro 111. Le trio revendique une démarche globale établie sur le dialogue, ne se limitant pas à une échelle ou une discipline. Sensible aux formes et aux matières, Numéro 111 interroge et propose à travers ses créations une réflexion sur l’usage, résultant du regard transversal des trois personnalités sur notre quotidien. L’équipe se réunit autour de projets divers, dans le domaine de l’objet, du mobilier et de l’aménagement d’espace. 

En 2011, Numéro 111 débute une collaboration avec Ligne Roset/Cinna par l’édition des luminaires Peye et Olive. Depuis décembre 2011, ils présentent un premier projet à la Galerie Gosserez: Jean-Jean, un meuble de rangement à usage libre. En parallèle avec leur activité d’aménagement d’espace, l’équipe continue à développer des projets avec différentes maisons d’édition telles que Eno ou encore Ligne Roset pour 2013.

Following the creation of the surprising « Jean-Jean » shelf, Marie-Bérangère Gosserez invited the NUMERO 111 collective of designers to pursue their innovative work of confrontation of materials and volumes. The “Tandem” collection is the result of this exploration, consisting of 6 different pieces sharing a common language. The main theme of the collection shows how the combination of contrasting blocks can result into an harmonious whole. The pieces invite us to appreciate the confrontation between carved elements and curved surfaces. The assembling of rough wood with lacquered planes collaborate to a single creation.

The idea of the Tandem collection is also to explore new shapes and typologies, though a set of hybrid objects that can be used in a variety of ways, depending of one’s imagination or needs. The new pieces are deliberately positioned in between functionality and abstraction. In so doing, Numero 111 questions the role of objects and multiplies formal possibilities while creating a singular and personal style.

Numéro 111 consists of 3 individuals, Sophie Françon, Jennifer Julien and Grégory Peyrache. Comprising two designers and one architect, the team asserts a global approach, not restricting themselves to one scale, method, or discipline. Sensitive to forms and materials, Numéro 111 above all observes everyday life, questioning surroundings and suggesting communal creations, established from shared thoughts and styles. Each project attempts to closely interlink the design and manufacturing process. The Numéro 111 office convenes around various projects, with objects, furniture, architecture, interior design and scenography as scope.


infos : http://www.galeriegosserez.com

"THIS" CHAIR

e15

Le design sobre de la nouvelle chaise "THIS" d'e15 illustre la philosophie du fabricant allemand :  aller à l'essentiel et mettre en avant les éléments constitutifs de chaque modèle. Grâce à un procédé issu du modélisme, deux feuilles de contreplaqué sont étirées à la main et courbées pour former le dossier de cette chaise. THIS se décline en blanc, gris, anthracite, rose fluo, rouge et chêne naturel. Sa silhouette harmonieuse et son mode de fabrication en font un siège moderne, léger et extrêmement confortable pour la cuisine ou la salle à manger.

The deceptively simple side chair THIS illustrates e15’s key philosophy in exposing and featuring elements essential to the construction of a product. Named after the famous card trick, THIS THAT OTHER seating series is made of robust and versatile molded oak-veneered plywood. Rounded shapes give way to modern spirit and rational details in distinct quality. With a streamlined construction, THIS side chair represents a very economical and appealing solution, especially for the contract market. THIS is also offered with an optional upholstered seat.